De nouvelles broches brodées aux jolis yeux de félins sont prêtes à être adoptées !

Que l’on aime ou pas les chats, ils ont indéniablement laissé une trace dans l’Histoire. Peu d’autres animaux ont déclenché un tel engouement à travers le monde. La vénération des égyptiens pour les chats reste la plus évidente.

Folklore lié au chat chez les égyptiens

En Égyptien ancien, le mot chat se dit « miou » et s’écrit de la façon suivante :

A cette époque, le chat était un emblème de fécondité chez les égyptiens mais surtout un emblème de protection. Ils chassaient les rongeurs, les oiseaux et même les serpents : il étaient domestiqué à la base pour protéger les grandes quantités de grain que les égyptiens stockaient en cas d’inondations ou de récoltes infructueuses.

D’abord avatar du dieu Rê en tant que destructeur du serpent Apophis, il était également associé à Isis, à Nout et à la déesse Pasht (à tête de chat) qui veillait au royaume de la nuit et des morts.
Les chats mâles étaient associés au soleil, les femelles à la lune.

Dieu vivant, nombreux évoluaient dans la cour du temple de la déesse Bastet, déesse à tête de chat et corps de femme. Elle était vénérée à Bubastis. Dans cette ville, les enfants portait des médaillons à tête de chat pour les protéger de tous les maux et aux alentours, plusieurs nécropoles de plusieurs centaines de milliers de momies de chats ont été retrouvées.

Dans l’Égypte ancienne, le chat est vénéré par toutes les classes sociales de la société. Quand le chat de la maison mourrait, toute la famille prenait le deuil : on se rasait la tête ou les sourcils. Le chat défunt était alors embaumé et enseveli dans un sarcophage en matériau précieux. Parfois, on enterrait avec lui des momies de souris.

En tuer un était un crime inexpiable. Il était interdit de le contrarier et même de l’injurier. La plus sévère des lois était l’interdiction d’exporter un chat hors du Royaume d’Égypte. Toute personne qui s’y aventurait risquait la peine de mort ! Un soldat romain a été lapidé par la foule pour en avoir accidentellement tué un.

Au VIe siècle avant J.-C., un combattant perse, Cambyse, gagna une bataille parce que ses troupes étaient précédées de centaines de chats et que les égyptiens refusèrent de se battre pour ne pas prendre le risque d’en blesser.

On accordait à ces félins, appelés « mangeurs de chagrin », le pouvoir d’absorber les mauvaises influences. On lui accordait aussi neuf vies (croyance attestée en Europe moderne, en France, Angleterre et Allemagne, et Italie où il a « seulement » sept vies).

De nos jours, en France, certains rebroussent encore chemin lorsqu’ils croisent un chat noir. Les présages funestes qui lui sont attachés ont la vie dure. Mais on en parlera plus tard, mon travail de brodeuse m’attend !

A bientôt sur Mythik Mystik !

Elles sont inspirées du travail du célèbre peintre Klimt. Vous le connaissez sans doute, si ce n’est par son nom, au moins par ses œuvres. On retrouve des reproductions de ses tableaux partout, sur de nombreux supports, tels des affiches, des mugs, des tapis de souris et que sais-je encore, « Le baiser » étant sans doute son tableau le plus connu. Son univers très décoratif a conquis les cœurs.

Le style de Klimt

La raison de son succès réside, à mon avis, dans la beauté de son univers. Un univers très féminin, poétique et semblant sortir d’un rêve. Ses sujets universels, tel la joie, la jeunesse, l’amour ou la mort, parlent au plus grand nombre.

J’admire son monde depuis longtemps. En tant qu’ado étudiant les arts graphiques, j’avais souvent le nez plongé dans des livres d’arts en tous genres, et inévitablement, un jour, au détour d’une page, j’ai rencontré Klimt. Son univers très sensuel, la richesse de ses motifs et la magie de ses dorures m’ont enchantée. Le féminin gracieux est un élément que je retrouve dans mes propres dessins depuis toute jeune. Peut-être que c’est ce qui m’a plu chez cet artiste en premier lieu.

Chez Klimt, l’honneur est aux femmes. Ses portraits ou allégories, pas toujours idéalisées, mais toujours gracieux. Ses sujets d’inspiration mythologique ou allégorique rejoignent mon amour des légendes et des contes. Dans ses portraits de femmes, je retrouve un peu de fées, un peu de sorcières, certaines créatures monstrueuses et d’autres enchanteresses. Ces personnages laissent l’imagination inventer des histoires et une vie à chacune de ces femmes. Elles deviennent des êtres de conte folkloriques, qui m’émerveillent tant.

Ses fleurs stylisées, ses mélanges de couleurs et de motifs imbriqués les uns dans les autres créent un pavement des plus originaux, enveloppant ses êtres féminins d’un voile irréel.

Aussi, moi qui ne m’intéresse pas vraiment aux paysages en général, j’apprécie ceux de Klimt pour leur côté décoratif. Ils sont souvent peints sur des toiles carrés, un peu à la façon de Seurat, avec un horizon extrêmement haut, où on voir autant une composition géométrique vibrante qu’une forêt.

Pour le moment, les œuvres de Klimt m’ont inspiré quelques broches, mais sûrement qu’il y aura d’autres bijoux du même acabit à mon actif dans un futur pas si lointain

Et plein d’autres petits trésors… Gardez l’œil ouvert ! ^^

Brève histoire de Klimt

Pour le contexte, Klimt commence sa peinture autour de 1880. C’est un artiste de la Sécession viennoise. Il brave le carcan des règles et les codes établis de la peinture de son époque, ce qui va bien sûr lui causer des déboires. Son œuvre « la Philosophie », prévue pour le plafond du hall de l’université de Vienne, est considérée alors comme une provocation au libertinage et une atteinte aux bonnes mœurs. On lui reproche ses peintures trop érotiques, et on s’interroge même sur sa santé mentale. Autre lieu, autres mœurs, il reçoit une médaille d’or en 1900 à l’Exposition universelle de Paris pour cette même œuvre. Elle sera plus tard détruites par les nazis (en parlant de nazis et de Klimt, je vous recommande le film « La femme au tableau » (Woman in gold) avec Helen Mirren et Ryan Reynolds, si vous ne l’avez pas vu).

Klimt doit renoncer à voir ses œuvres à l’université mais il garde l’intégrité de son style et de sa vision.

Le peintre visite l’Italie et étudie les mosaïques byzantines lourdement ornementées d’or de la basilique Saint Vidal de Ravenne. C’est une révélation pour l’artiste. Son goût pour le travail à fond d’or vient de naître. A Paris, il découvre le travail de Toulouse-Lautrec, Gauguin, Bonnard et Matisse qui l’influencera également beaucoup.

La frise Beethoven (qui est une représentation de la neuvième symphonie de Beethoven, d’où son nom) était supposée être exposée temporairement le temps d’une exposition des sécessionnistes viennois mais elle a été achetée et conservé, et elle est toujours là pour nous éblouir. Cela en dit long sur le succès de son œuvre, qui j’en suis sure, perdurera encore pendant des décennies.

Inspirée des poupées Gigognes traditionnelles russes, elles apportent une touche de lumière sur les jours tristes de la saison froide. Mais connaissez vous l’histoire de ces poupées russes ?

La Poupée Russe, est peut-être le symbole le plus connu de la Russie dans le monde. On parle aussi parfois de poupée gigogne, en référence à la marionnette de la Mère Gigogne, qui représente une grande et forte femme entourée d’enfants. En Russie, on pense que la Poupée Russe symbolise les valeurs traditionnelles de la société russe : le respect des personnes âgées, l’unité de la famille élargie, la fécondité et l’abondance, et la recherche de la vérité et du sens. En fait, l’idée que la vérité est cachée dans de nombreuses couches de sens est un motif récurrent dans les contes populaires russes. Dans l’un de ces contes, un personnage nommé Ivan cherche une aiguille représentant la mort d’un personnage maléfique. L’aiguille est dans un œuf, l’œuf est dans un canard, le canard est dans un lièvre, le lièvre est dans une boîte et la boîte est enterrée sous un chêne. Ainsi, la Poupée Russe, avec ses nombreuses couches dissimulées dans la poupée plus grande, est un symbole Russe parfait pour la culture populaire russe.

Pourtant, ce jouet populaire prend ses origines en Chine. Créées à des fins de rangement et de décoration, les Chinois ont inventé l’emboîtement de boîtes en bois les unes dans les autres en l’an 1000. Le concept consistait en une grande boîte en bois qui, une fois ouverte, contenait une boîte en bois presque identique, mais plus petite, et à l’intérieur de cette boîte plus petite, une autre boîte plus petite encore, et ainsi de suite. Ce concept a ensuite évolué des boîtes gigognes aux poupées gigognes, servant de base aux premières poupées gigognes du monde.

Cette approche a rapidement émigré au Japon, où l’idée a été appliquée pour créer les poupées en bois de leurs propres divinités. Les Shichi-Fukujin ou sept dieux de la chance – qui sont censés porter chance dans la mythologie japonaise – ont été parmi les premiers à faire fabriquer des poupées gigognes en bois à leur image. Le dieu japonais du bonheur et de la longévité, Fukurokuju, a la forme d’une poupée en bois que l’on peut démonter et à l’intérieur de laquelle se trouvent les six autres dieux.

Toutefois le concept d’objets emboîtés était déjà présent en Russie à la fin du XIXe siècle, pour les œufs de Pâques : on peut notamment citer le premier œuf de Fabergé, datant de 1885, qui renfermait un jaune, contenant une poule, renfermant à son tour un pendentif de rubis et une réplique miniature de la couronne impériale.

Quoiqu’il en soit, lors d’un voyage au Japon, la petite poupée emboîtée a attiré l’attention d’une jeune femme, qui l’a ramenée dans son pays. Cette personne est Elizaveta Mamontova. femme du mécène russe Savva Mamontov. Le « père » des matriochkas est Sergueï Malioutine, artisan populaire œuvrant sur le domaine d’Abramtsevo appartenant à l’industriel Savva Mamontov, chez qui il aurait vu les petites poupées japonaises dont il s’est inspiré.

Pourtant, y compris en Russie, on pense souvent à tort que les matriochkas sont héritées de centaines d’années de tradition des tourneurs sur bois russes. Cette poupée, qui devient vite très populaire en Russie, reçoit aussitôt un prénom typique de paysanne, Matriona, dont le diminutif est Matriochka. Dès 1900, ce jouet fait sensation à L’Exposition universelle de Paris, où il remporte une médaille de bronze.

Plus tard, La conquête spatiale engendre toute une pléiade de poupées-cosmonautes avec casques et scaphandres, emboîtées dans une fusée…

Après l’effondrement de l’URSS et l’arrivée du libéralisme, apparaissent des matriochkas caricatures d’hommes politiques en place. Et on trouve aujourd’hui dans les boutiques de souvenirs de Moscou aussi bien des poupées représentant Lénine que Vladimir Poutine ou Barack Obama.

Pour certains, la matriochka a une dimension plus sacrée. Chacune de ces sept figurines incarne une couche de corps subtils et d’auras invisibles à l’œil nu.

Il s’agit de la description du corps qui superpose sept épaisseurs de vie depuis la plus triviales jusqu’à la plus éthérée. L’enjeu de chaque personne est d’atteindre la couche la plus subtile au cours de son existence. On distingue sept coquilles:

1. Le corps physique ;
2. Le corps éthérique qui concerne la psyché et les émotions ;
3. Le corps astral pour les émotions et les désirs ;
4. Le corps mental qui renferme les formes pensées ;
5. Le corps karmique constitue une combinaison de bonnes et de mauvaises actions et l’expérience accumulée,
6. L’esprit avec la notion d’âme – sens, de conscience de soi ;
7. L’esprit est un noyau humain, un principe spirituel.

De façon à identifier ces stades d’élévation spirituelle, les poupées sont généralement peintes et décorées selon les couleurs attribuées aux chakras, dans la tradition bouddhiste. Ce sont également les teintes de l’arc-en-ciel, ce qui n’est évidemment pas un hasard. Elles se déploient du rouge au violet. À chaque couleur correspond une symbolique précise :

1. Le rouge représente le corps physique. C’est la couleur du sang et de la vie donc de l’énergie vitale. Ses vibrations sont insuffisantes pour s’élever spirituellement. Si elle insuffle la force, en cas de perte d’énergie de la Terre, le corps physique s’affaiblit ;
2. L’orange symbolise la fertilité ;
3. Le jaune correspond à la santé et à la stabilité. C’est également la couleur de la volonté ;
4. Le vert permet d’acquérir la force mentale et développe l’intuition. C’est aussi le centre de l’amour ;
5. La couleur pourpre améliore l’expression et la communication avec l’ouverture aux autres ;
6. Le bleu est la couleur des capacités supérieures. Il correspond à la créativité et à la la compréhension des lois qui régissent l’univers ;
7. Le violet correspond à l’étape ultime. Il répartit les énergies de tous types dans le corps.

Cette symbolique est moins marquée aujourd’hui, mais elle reste l’héritage d’une ancienne tradition venue d’Asie.

Cela dit, japonaises, chinoises ou russes, ces poupées colorées n’ont pas fini d’émerveiller petits et grands. Et elles continuent de m’inspirer pour vous proposer de petites broches mignonnes à croquer !